Temporada 2 - Status #163 (Janeiro 2025)

Com a autorização da revista internacional de improviso Status, Luana Proença e Davi Salazar traduzem e gravam em português o conteúdo mensal da revista. 

SIM, existe uma revista mensal sobre Impro que questiona e valoriza o que fazemos, E seu conteúdo é disponibilizado em português AQUI por escrito, e em áudio em nosso PODCAST no Spotify: Revista Status - PT.

A revista STATUS é publicada mensalmente e virtualmente em espanhol, inglês, italiano e francês. Informações e assinaturas: https://www.statusrevista.com/. 

A tradução da revista é feita em linguagem de gênero neutra, sem a identificação de gênero do sujeito das orações quando generalizado. 

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OPINIÃO MEU DESEJO PARA 2025 por Feña Ortalli O fim do ano chegou, trazendo consigo a inevitável reflexão sobre o que aconteceu e, ainda mais inevitavelmente, a lista de desejos e resoluções para o próximo ano. No entanto, minha intenção não é fazer uma lista desses desejos (deixarei as listas para a seção do Chris); em vez disso, quero compartilhar um em particular que diz respeito à nossa comunidade impro. Vamos respeitar o indivíduo tanto quanto o coletivo. Muitas vezes, devido a análises superficiais e explicações excessivamente simplificadas (preguiçosas), surgem mal-entendidos. O coletivo é fundamental para a nossa arte, a nossa comunidade e o nosso mundo, mas isso não significa que deva ser feito às custas do indivíduo. Quem me conhece sabe que a coletivização de recursos é um dos pilares do meu trabalho (caso contrário, você não estaria lendo esta revista). Apoio ativamente todos os esforços para compartilhar descobertas, inspirações e preocupações. Mas isso não nos dá o direito de reivindicar o trabalho de outras pessoas como se fosse nosso. Estou falando de ideias incorporadas em apresentações que mais tarde acabam sendo encenadas por outras companhias sem qualquer reconhecimento de quem as criou originalmente. Estou falando de workshops que são um "copiar e colar" de exercícios e conceitos de outras pessoas, sem a menor reflexão pessoal. Projetos que consideramos uma boa ideia e, por isso, os replicamos em outras comunidades sem levar em conta suas particularidades culturais, sociais e econômicas. É maravilhoso quando o trabalho das outras pessoas inspira o nosso. Foi assim que a impro cresceu tanto em tão pouco tempo. Mas há uma grande diferença entre permitir que essas ideias despertem nossas próprias interpretações e simplesmente replicar algo que outra pessoa concebeu, questionou, definiu e produziu de maneira exclusiva. Aliás, roubei a ideia de escrever este artigo do blog de Patti Stiles.

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BIO ROLAND BARTHES por Feña Ortalli Roland Barthes (1915-1980) foi um ensaísta e crítico social e literário francês cujos escritos sobre semiótica ajudaram a estabelecer o estruturalismo e a Nova Crítica como movimentos intelectuais importantes. Barthes talvez seja mais conhecido por sua coleção de ensaios “Mythologies” (“Mitologias”), de 1957, que continha reflexões sobre a cultura popular, e pelo ensaio “The Death of the Author” (“A Morte do Autor”), de 1967/1968, que criticava as abordagens tradicionais da crítica literária. Barthes estudou na Universidade de Paris, onde se formou em letras clássicas em 1939 e em gramática e filologia em 1943. Seu primeiro livro, “Le Degré zéro de l'écriture” (“O Grau Zero da Escrita”, 1953), foi um manifesto literário que examinou a arbitrariedade das construções da linguagem. Nesse livro, Barthes expressa seus pensamentos dizendo que, ao se ater a um determinado estilo e convenção de escrita, quem escreve muitas vezes perde sua forma original, o que leva à falta de criatividade e à falta de originalidade. Com isso, ele quer dizer que a criatividade é um processo contínuo de mudança gradual, que só pode ser aperfeiçoado por meio da prática constante e da resiliência. Em livros posteriores, incluindo “Mythologies” (1957), “Essais critiques” (“Ensaios críticos”, 1964) e “La Tour Eiffel” (“A Torre Eiffel”, 1964), ele aplicou o mesmo aparato crítico às "mitologias" ou suposições ocultas por trás dos fenômenos culturais populares. Seu “Sur Racine” (“Sobre Raicine”, 1963) provocou um furor literário na França, colocando Barthes contra acadêmicos tradicionais que achavam que essa "nova crítica", que via os textos como um sistema de signos, estava profanando os clássicos. Ainda mais radical foi “S/Z” (1970), uma análise semiológica linha por linha de um conto de Honoré de Balzac, na qual Barthes enfatizou o papel ativo do leitor na construção de uma narrativa baseada em "pistas" no texto. O trabalho mais conhecido de Barthes é um ensaio intitulado "The Death of the Author" (1967), no qual ele apresenta sua famosa teoria literária. Barthes era da opinião de que uma pessoa escritora e sua obra são entidades separadas e, portanto, não devem ser relacionadas quando sua obra é examinada criticamente. Dois dos últimos livros de Barthes estabeleceram sua reputação tardia como estilista e escritor. Ele publicou uma "anti autobiografia", “Roland Barthes par Roland Barthes” (“Roland Barthes por Roland Barthes”, 1975), e seu “Fragments d'un discours amoureux” (“Fragmentos de um discurso amoroso”, 1977). As contribuições de Barthes, reunidas em “Mythologies”, frequentemente interrogavam materiais culturais específicos para expor como a sociedade burguesa afirmava seus valores por meio deles. Ele considerou a semiótica, o estudo dos signos, útil nesses questionamentos e desenvolveu uma teoria dos signos para demonstrar esse engano percebido.

https://www.famousphilosophers.org/roland-barthes/ 

https://www.britannica.com/biography/Roland-Gerard-Barthes 

https://en.wikipedia.org/wiki/Roland_Barthes

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ENTREVISTA LIAM WEBBER por Fenã Ortalli

“É muito fácil não perceber o fogo nos olhos de outra pessoa quando você está se ocupando muito em se concentrar em suas próprias coisas”

Liam é um nerd do futebol e da impro (como alguém que conheço). Mas, além disso, o que ele traz ao palco é elegância e ludicidade, seriedade e estupidez, planejamento e caos. Tudo em perfeito equilíbrio.

O que você queria ser quando era criança? Oh Deus! Sei que desde muito jovem disse à minha mãe e ao meu pai que queria ser "comediante". Provavelmente antes de eu realmente saber o que isso significava… Meu pai me apresentou coisas como Monty Python e “The Goon Show” quando eu era muito jovem (talvez com 6 ou 7 anos) e acho que a ideia de que as pessoas adultas poderiam ser bobas me atraiu! Depois, à medida que fui crescendo, passei por muitas coisas diferentes, quase inteiramente baseado no que tinha acabado de ver naquele dia… Fomos passar férias em família em Barcelona e voltei para casa querendo ser arquiteto, fiquei obcecado por o programa de TV “House” e queria ser médico, etc, etc, mas sempre voltava a ser algo entre ator/escritor /comediante… Alguém que fazia coisas engraçadas, essencialmente!

A curiosidade é um ingrediente comum de qualquer pessoa improvisadora. Que outras coisas, além da comédia e do teatro, lhe interessam? Acho que me interesso facilmente (e alguns diriam obcecado) pelas coisas. Meu atual hobby/paixão/obsessão é fazer cerâmica sobre uma roda. Comecei quando vim para Sydney, porque comprei para minha noiva, Kat, uma aula de “jogue sua própria caneca” de aniversário para ela. Nós fizemos isso em conjunto, ela disse “isso foi divertido” e eu disse “eu preciso fazer isso todos os minutos de cada dia” haha. No momento, vou ao ateliê 3 a 5 vezes por semana durante algumas horas para tentar fazer canecas e tigelas! Também adoro jardinagem - um interesse que aprendi com a minha mãe e a minha avó - e tenho todo o tipo de plantas em casa e na varanda… O grande que resistiu ao teste do tempo (juntamente com a improv) é o futebol - sou um grande fã do Manchester United, o que foi incrível durante a minha infância e foi incrivelmente doloroso durante a minha vida adulta! E o que você está pensando agora em relação à improvisação? O que você está explorando ou deseja explorar? Estamos prestes a voltar para o Reino Unido depois de morar aqui na Austrália por 2 anos e meio, então acho que essa perspectiva está em minha mente no momento. Tipo, é uma coisa muito emocionante mudar para uma cena diferente… Mas também assustador. Iremos nos mudar para Londres - onde conheço algumas pessoas, mas nunca morei antes - então parece mais fácil do que quando nos mudamos para Sydney, mas ainda assim é bastante assustador. Isso realmente me entusiasma porque a mudança traz consigo a promessa de novas conexões e novas colaborações - que inevitavelmente nos ampliam e nos ajudam a crescer como artistas. Eu acho que, do ponto de vista artístico, tive a sorte de fazer parte do elenco do Improfestival Karlsruhe no ano passado, e trabalhar com esse grupo de pessoas nesses formatos [do festival] realmente me inspirou. Mas desde então, tenho trabalhado principalmente no lado organizacional das coisas (dirigindo 2 festivais em 2 países diferentes haha!), então estou ansioso para pegar algumas das sementes que surgiram dessa experiência e explorá-las de uma forma nova cidade com novas pessoas. Você tocou em um tópico interessante: performance versus organização. Como você equilibra esses dois papéis? Mal hahaha. Mas acho que estou melhorando – principalmente porque tenho a sorte de trabalhar com pessoas realmente boas em projetos maiores. Acho que - pelo menos para mim - para me sentir relaxado e fazer o meu melhor trabalho, tenho que estar 100% nesse modo. Então, se estou organizando, estou organizando 100%. Se estou performando, estou performando 100%. Então, aprendi a planejar isso e a construir isso nas bases de tudo o que estou organizando. Aprendi da maneira mais difícil que, se estiver organizando um festival, ficarei triste se não me apresentar (e realmente gosto de me apresentar!). Então eu defino quando vou me apresentar e construo um cronograma em torno disso. Então, posso transferir a responsabilidade para outra pessoa da organização, cerca de uma hora antes do espetáculo, até cerca de uma hora depois do espetáculo - dando-me uma janela suficiente para poder me livrar do cérebro da organização e realmente aproveitar a apresentação. O grande truque que descobri é cercar-se de pessoas boas e deixar claro para elas que “isso é algo que preciso” (sendo este último algo em que ainda preciso melhorar!). Tenho sorte de ter Lloydie - co-direção - e uma grande equipe no Robin Hood International Improv Festival, e depois no ITS Comedy Festival em Sydney tive Tom que fez um trabalho semelhante. Essas pesssoas me deixaram transferir responsabilidades quando era minha oportunidade de atuar e simplesmente gostar de ser artista. Se eu puder aproveitar alguma improv, estarei em uma posição muito melhor para lidar com todas as coisas organizacionais que acompanham a realização de um festival. E quanto a ensinar? O que você mais gosta nisso? Quais tópicos você está mais interessado em compartilhar Ensinar é algo interessante - embora eu tenha tido a sorte de lecionar em vários festivais internacionais enquanto morava na Austrália, na verdade não tive nenhuma oportunidade regular de ensino aqui em Sydney... O que eu acho que talvez seja a grande vergonha do meu tempo aqui. Dito isso, as aulas do festival que tive a oportunidade de ministrar me deram a oportunidade de ensinar mais coisas pontuais e de me sentir menos preso a um plano de estudos, o que tem sido divertido. Acho que há dois tópicos que estão sempre girando na minha cabeça. A primeira é o trabalho cênico do ponto de encontro e conexão com o caos. Como podemos abrir mão do controle para estar no presente e estimular a alegria uns dos outros no palco. Traga o caos suficiente para encantar umas as outras e brincar em espaços novos e interessantes, em vez de repetir as mesmas cenas indefinidamente. Acho que, como forma de arte, muitas vezes podemos nos concentrar em aspectos mais complexos, como formatos específicos ou novas técnicas interessantes... O que, como nerd da improv, adoro, mas quando assisto improv, o que mais me interessa talvez seja a coisa mais fundamental. *As duas pessoas no palco estão gostando de fazer isso juntas? * Elas estão devidamente conectadas entre si e vendo as faíscas quando elas acontecem? Porque é muito fácil não perceber o fogo nos olhos de outra pessoa porque você está se ocupando muito em se concentrar em suas próprias coisas. A outra coisa que sempre volto é como podemos ser estranhas ou absurdas sem perder a humanidade e o coração. Encontrar o equilíbrio entre “esta personagem é uma lunática absoluta” e “isto poderia ser uma pessoa real”… Adoro a citação de TJ Jagodowski “Estou sempre interpretando a mim, apenas com minhas prioridades reorganizadas” - e acho que pegar essa abordagem ao absurdo significa que ainda temos o coração de pessoas reais no palco, mas com algumas escolhas estranhas e caóticas que nos levam em novas direções e novamente, garantindo que não estamos representando as mesmas cenas repetidamente. O que gera essas faíscas que você fala nos seus olhos? Acho que para mim sempre se trata de conexão. Pessoalmente, acho que a nossa forma de arte em si envolve momentos de conexão. Quer estejamos nos conectando com nossa parceria de cena, com o público ou com o espetáculo que estamos criando… Acho que nesses momentos em que criamos conexões que não existiam antes, vemos essas faíscas. Muitas vezes é algo que a outra pessoa nunca poderia ter previsto, que cria em mim uma conexão. Talvez elas de repente tenham trazido essas personagens para um local que se conecta comigo e eu possa imediatamente “ver” o espaço em que estamos. Talvez elas tenham tocado em um assunto que conheço muito ou me lembrado de um programa de TV que amo. Talvez elas tenham dito algo que retraia um tema, ideia ou história do início do espetáculo e de repente essa conexão nos liga a uma parte diferente do espetáculo. Às vezes é uma conexão da qual não faço parte – quando vejo duas pessoas no palco criam uma conexão que desperta algo em mim fora do palco. Minha favorita é quando as pessoas dizem algo e embora a coisa em si não seja uma conexão explícita, o que elas trouxeram para o espetáculo é como um ímã, e todo mundo sente como isso pode se conectar ao espetáculo. Está cheio de possibilidades. O público se senta à frente, todo mundo na linha lateral se ativa e está pronto para entrar no palco. É como uma assistência no futebol – todo mundo sabe que o gol está chegando… Adoro! Mas eu ADORO essas conexões porque elas são quase sempre imprevisíveis e só podemos captá-las se estivermos realmente aqui... em conjunto neste momento... realmente improvisando! A quais aspectos teatrais você acha que a impro deveria prestar mais atenção? Quero dizer - funcional e esteticamente, há enormes ganhos na utilização plena de algumas das coisas que o teatro considera certas em termos de desenho de iluminação, cenário, desenho de som, etc. , poderia elevar enormemente o seu espetáculo. Eu apenas olho para os espetáculos legais que o Flock Theatre [Amsterdã] apresenta e me sinto imediatamente inspirado pela possibilidade que existe naquele espaço (fiquei absolutamente arrasado por perder a exibição do “Polar Nights” [“Noites Polares”], porque parecia espetacular). Em uma nota mais insossa/ondulada (também conhecida como minha nota favorita), acho que uma das coisas brilhantes sobre uma boa produção teatral é como tudo é considerado. Cada passo está fechado. Cada linha das palavras do diálogo é afinada e a entrega é aperfeiçoada. Tudo está cheio de significado. Obviamente, o teatro pode conseguir isso tendo um tempo de preparação que a improv simplesmente não tem. Mas adoro a ideia de que podemos adicionar algum significado retroativamente. Não podemos fechar todos os passos. Mas quando alguém dá um passo, podemos optar por tornar esse passo significativo, reagindo a ele. Acho que assumindo intenção em tudo que nossas parcerias de cena fazem, podemos encontrar ofertas que elas não sabiam que estavam fazendo, e o resultado para o público é um espetáculo que parece mais teatral. Eu também acho que o estudo e a compreensão de praticantes e gêneros também... E, tipo, aqueles que estão fora da vibração usual de “Jane Austen”... Mais uma vez eu amo Austen e adoro um bom espetáculo de improv de época, mas há muita variedade rica no teatro, que eu acho que se você conseguir entender - mesmo que só um pouco - pode ajudar a trazer variação aos seus espetáculos de uma forma realmente única e interessante. O que te assusta no palco? Onde você se sente mais confortável? Então, fico sempre nervoso antes de um espetáculo, e me acalmo no momento em que estou no palco e as luzes estão acesas... E gosto bastante da adrenalina - sinto que isso me deixa pré-espetáculo porque me preocupo em fazer um bom espetáculo, mas ainda não posso começar a fazer isso haha. Definitivamente fico mais nervoso fazendo um espetáculo com temas sérios. O que mais me assustou no ano passado foi no Improfestival Karlsruhe, fazendo um espetáculo dirigido por Gael Doorneweerd-Perry sobre a crise da AIDS nos anos 90. Com isso certamente senti o peso do assunto no ensaio e preparação para o espetáculo. Felizmente eu estava cercado por algumas das melhores pessoas improvisadoras do universo conhecido e o espetáculo foi lindo e comovente. Foi uma experiência realmente maravilhosa para mim como artista, pela mesma razão pela qual me senti bem-sucedido fora da minha zona de conforto. Então, na verdade, acho que depois dessa experiência, sinto menos medo da perspectiva de assuntos sérios. Onde me sinto mais confortável é em uma cena de um espetáculo onde sei que temos tempo. Sejam 5 minutos, 10 minutos ou uma hora inteira. Quando sei que não precisamos ter pressa, que podemos gostar de descobrir essa cena em conjunto e saborear esse momento. É quando estou mais à vontade no palco. Que projetos você tem para 2025 (além de voltar para o Reino Unido)? Então, voltar para o Reino Unido é o grande projeto haha! Esta semana estamos iniciando novamente a máquina do Robin Hood International Improv Festival, pronta para o festival na primeira semana de setembro. Com isso virá todo tipo de diversão administrativa organizacional - mas estamos com muita animação para construir a partir do ano passado, especialmente porque estaremos de volta a um lindo teatro de 250 lugares com luz e som completos e todas as bugigangas e dispositivos! Isso virá com a reconexão com Lloydie, com quem também faço uma das minhas duplas favoritas - então acho que vamos tentar fazer isso acontecer! Também estive conversando com o pessoal do Flock Theatre sobre passar por aqui para um espetáculo que farão no segundo fim de semana de abril, mas não sei o quanto posso conversar sobre isso ainda haha! E comecei a conversar com Chris Mead sobre como traçar alguns planos assim que chegar a Londres, mas isso é tudo na emocionante “ooooh, vamos fazer uma coisa, mas quem sabe o quê!” fase haha. Também pretendo aproveitar ao máximo minha nova tolerância para voos e viajar um pouco pela Europa… Depois de fazer as 24 horas de ida e volta da Austrália para a Europa algumas vezes, 2 horas de Londres de repente parece nada! Então, acho que assim que chegar, estarei participando das inscrições para o festival (e me inscrevendo em um espetáculo de minimização da pegada de carbono para me fazer sentir menos mal)! Última pergunta: por que você improvisa? Adoro fazer coisas com outras pessoas - especialmente coisas que fazem as pessoas rirem.

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GENÉTICAS UN DÍA CUALQUIERA por Feña Ortalli seção coordenada por Luana Proença (luanamproenca@gmail.com) Algumas das práticas pedagógicas comuns na América Latina que sempre me inspiraram em Teatro são as chamadas Desmontagens Cênicas ou os estudos da Genética Teatral. Uma abertura dos processos de criações onde eles são “desfeitos” parte a parte para que possamos ver como se deu a junção daquela obra. Assim, todos os meses eu vou dar espaço para grupos e artistas abrirem suas criações para uma partilha inspiradora. Se você quiser partilhar sobre o seu processo, entre em contato comigo, Luana Proença. Perguntei a Feña se ele tinha uma sugestão para o artigo para a seção Genéticas na edição de janeiro de 2025. Ele tinha. É um espetáculo que não assisti (como muitos outros nesta seção) e um artigo que só lerei quando for publicado na revista - porque Feña está escrevendo (ou escreveu, já que você está lendo isso em "Un día cualquiera" - “Um dia qualquer” - no futuro). Que dia será esse? O que acontecerá no dia em que você ler este artigo? Independentemente disso, este é o dia em que o estamos lendo. Talvez isso lhe inspire a compartilhar um de seus espetáculos conosco em algum dia futuro também. Título: “Un Día Cualquiera” (“Um Dia Qualquer”) Ideia: Gonzalo Rodolico e Feña Ortalli Estreia: Março de 2014. Buenos Aires, Argentina ORIGEM Às vezes, tudo o que você precisa para criar algo é uma desculpa e um prazo. No início de 2014, o improvisador peruano Christian Ysla me escreveu dizendo que estaria em Buenos Aires e que gostaria de improvisar comigo e com Gonzalo Rodolico. Eu, já com uma ideia na cabeça, disse: "Sim, é claro". E, com certeza, poderíamos ter feito um formato baseado em jogos, um espetáculo de gêneros com títulos, ou até mesmo convidado mais pessoas e encenado um Catch de Impro, ou algo nesse sentido, mas... essa era exatamente a desculpa de que eu precisava para tentar algo novo. Alguns dias depois, estreamos “Un día cualquiera” na extinta Casa Hawaii, um espaço cultural alternativo que, por alguns anos, abrigou o melhor da cena de impro local. Embora o formato fosse um pouco diferente na época de sua estreia, no ano passado comemoramos uma década em que essa ideia se tornou realidade. FORMATO A ideia original veio à mente depois de assistir a um curta-metragem dirigido por Sean Penn, parte do “11'09''01 - 11 de setembro”, um filme coletivo composto por 11 histórias de 11 minutos cada, de 11 direções diferentes, inspirado no ataque às Torres Gêmeas. O curta mostra como um evento globalmente significativo pode afetar tangencialmente a vida de uma pessoa de uma maneira muito específica e única. A premissa era clara: conectar eventos históricos (gerais) com histórias tangenciais (específicas). Foi exatamente isso que fizemos no dia da estreia: improvisamos uma série de cenas inspiradas em um evento histórico fornecido pelo público - o pouso na Lua. O formato foi repetido em duas outras ocasiões com a mesma estrutura. Os eventos que improvisamos foram o retorno da democracia à Argentina (1983) e, apropriadamente, o ataque às Torres Gêmeas (2001). Mas houve dois aspectos que não funcionaram muito bem para nós. Um deles foi o fato de o público ter dificuldade em pensar em eventos históricos específicos (além dos três ou quatro habituais que vêm imediatamente à mente, dos quais já havíamos usado três). A outra era a falta de variedade que poderia advir do fato de nos limitarmos a um único evento. Por isso, na versão 2.0 (a que apresentamos até hoje), mudamos a sugestão do público. Em vez de pedir um evento histórico, começamos a pedir o aniversário de um membro da plateia. A partir daí, revisamos os aniversários e eventos históricos daquele dia ao longo da história (obrigado, Wikipedia). ESTRUTURA Uma das coisas que mais gosto em “Un Día Cualquiera” é a simplicidade de sua estrutura. O espetáculo começa com o elenco conversando casualmente sobre aniversários, datas, celebrações e eventos enquanto o público entra no teatro. Quando tudo estiver pronto para começar, perguntamos a um membro da plateia qual é a data de seu aniversário e pesquisamos os eventos históricos que ocorreram naquele dia usando a Wikipedia. A partir daí, não há nenhuma estrutura além de ler os eventos e improvisar com base neles, usando qualquer recurso, dispositivo, protocolo ou tipo de cena que exista - ou que seja inventado - para improvisar livremente. FILOSOFIA Embora seja um formato simples, ele tem uma filosofia subjacente clara. Improvisar com base na história mundial significa lidar com questões políticas e sociais que não podemos - e não queremos - ignorar. Isso nos dá uma ótima oportunidade de mergulhar na sátira e na farsa, duas formas de humor em que o comentário político crítico é essencial. “Un Día Cualquiera” se torna uma desculpa para falar sobre todas as coisas que realmente importam para mim, me irritam ou me encantam no mundo em que vivo. Em um nível mais técnico, o espetáculo nos permite explorar conexões indiretas, simbólicas e tangenciais. A ideia não é representar o evento de forma historicamente precisa, mas nos deixar ir por seus elementos subjacentes e extrapolá-los para diferentes situações. Essa abordagem nos dá maior liberdade poética e ampla liberdade artística. DIREITOS AUTORAIS Não, “Un Día Cualquiera” não é um formato gratuito. Não, não cobraremos royalties se você quiser executá-lo. Mas seria muito bom se, caso esse formato lhe agrade, inspire ou simplesmente queira adaptá-lo à sua maneira, você entre em contato conosco para que possamos explorar as possibilidades em conjunto. Se não estiver claro por que esse esclarecimento é necessário, sugiro que você leia o artigo da seção Opinião nesta mesma edição da Status.

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IMPROLECTORA CINQUENTA PERFORMERS-CHAVE DE IMPROV por Pamela Iturra (impro.lectora@gmail.com) Quando aprendemos sobre a história da improvisação teatral, geralmente ouvimos falar de Viola Spolin, Keith Johnstone, Leduc & Gravel ou Del Close; mas você já se perguntou como era o caráter, a personalidade e a pedagogia dessas primeiras pessoas professoras e diretoras? De onde vieram The Second City, The iO ou The Upright Citizens Brigade? Quais são os desafios que os projetos de impro normalmente enfrentam e como elas os superam? Como a impro chegou a todos os cantos do mundo? Este livro nos oferece detalhes encantadores e desconhecidos sobre a improvisação e seu desenvolvimento como disciplina artística, desde suas origens até os dias atuais. O LIVRO “Fifty Key Improvisation Performers: Actors, Companies, and Schools of Theater, Film, and TV” (“Cinquenta Performers-Chave de Improvisação: Pessoas Atrizes, Companhias, e Escolas de Teatro, Filme, e TV”) é um texto deslumbrante escrito por Matt Fotis e publicado no final de 2024 pela Routledge. Em sua primeira parte, o livro nos apresenta as figuras icônicas da improvisação, as desenvolvedoras e criadoras de jogos, exercícios e formatos fundamentais. Com base em seu trabalho, ele explora os primeiros grupos inspirados por essas pioneiras, como The Compass Players, The Loose Moose e The Annoyance. Em seguida, o livro se aprofunda em uma segunda onda de luminares da improvisação, que refinaram a arte e fizeram experimentos com novos formatos. Um capítulo examina as contribuições e o desenvolvimento da improvisação no cinema e na televisão, destacando a inegável influência de “Whose Line Is It Anyway?”. Em seguida, explora a expansão da técnica para além do teatro, tanto em nível experimental quanto em contextos aplicados, bem como sua representação e internacionalização. Por fim, o livro teoriza sobre uma quarta onda de improvisação - a que estamos vivenciando atualmente - começando com a pandemia e considerando as mudanças culturais e os movimentos sociais que defendem a inclusão e a discriminação. O AUTOR Matt Fotis é improvisador, professor, dramaturgo e autor. Ele é professor associado da escola de teatro da Albright College, onde ensina improv, atuação e roteiro. Fotis publicou vários livros e artigos sobre teatro e improvisação. Sua escrita é elétrica. Neste livro, o autor não se detém, compartilhando detalhes técnicos e artísticos, bem como as maiores controvérsias e debates no mundo da improv. Com elegância, ele conta inúmeros detalhes e anedotas que são um deleite para quem adora histórias sobre as pessoas criadoras de histórias. A EXPERIÊNCIA Só de ler o título “Fifty Key Improv Performers”, meu coração de nerd de improvisação já bateu mais forte. O conteúdo revela a amplitude e os detalhes da pesquisa de Matt Fotis, e é surpreendente a quantidade de informações que ele reuniu e como conseguiu sistematizar setenta e cinco anos de história. Fiquei imersa por horas em suas páginas, que me surpreenderam, me fizeram rir, me emocionaram e provocaram reflexões. Senti-me transportada no tempo, como se fosse uma visitante onipresente nas salas de ensaio e nos palcos de vários teatros do mundo, observando curiosamente a formação da forma mais espontânea e coletiva de fazer teatro. Em suas páginas, a improv surge como um experimento e uma revolução nas artes cênicas em todo o mundo. Ao mesmo tempo, o livro explora as tensões, os fracassos, os desacordos e os dilemas humanos em seu desenvolvimento. Por fim, a improv aparece como uma disciplina nova e fértil, na qual muito está acontecendo e inúmeros capítulos ainda precisam ser escritos. Considero este livro essencial para quem pesquisa improv e teatro e para qualquer pessoa que queira contribuir para o fortalecimento dessa forma de arte. É altamente recomendado para direções de companhias ou escolas e para quem busca aprofundar, inovar ou expandir seus conhecimentos disciplinares. CINCO MOTIVOS PARA LÊ-LO 1. Você mergulhará na cultura da improv e aprenderá detalhes sobre suas figuras icônicas. 2. Você descobrirá as conexões entre artistas, autorias, escolas e formatos. 3. Você terá uma visão das raízes das tensões entre as diferentes abordagens para entender e praticar a improv. 4. Você se surpreenderá com espaços e projetos que não sabia que existiam. 5. Você encontrará inspiração para continuar criando. ESPIADINHA "Quadrinhos e artistas já usavam a improvisação há séculos - para contar histórias, preencher enredos e personalizar o material. No entanto, o teatro de improvisação como um estilo distinto e independente de atuação ainda não... ele só foi criado em meados do século XX. As formas, os estilos e as regras do teatro de improvisação contemporâneo não existiam até que Viola Spolin e Keith Johnstone começaram a criar a estrutura filosófica, teórica e prática para essa nova forma de arte". "Há, sem dúvida, um bando de talentos fenomenais da improv com 15 anos de idade que estão agora arrasando em seus espetáculos no ensino médio e que transformarão a comunidade da improv e serão incluídos no Volume 2. Sem mencionar as pessoas de 30, 40, 50 anos e mais que estão fazendo sua primeira aula de improv agora e que seguirão carreiras bem-sucedidas e influentes. Parece que talvez precisemos de um Volume 3. Há um programa de televisão que será lançado em breve ou um filme que se tornará um marco no mundo da improv - ou algo que existe atualmente e que eu deixei passar ou omiti. Prometo incluí-lo no Volume 4. Basta dizer que, mesmo depois que o Volume 5 for lançado, ainda haverá pessoas que merecem um lugar, porque simplesmente há muitas pessoas brilhantes trabalhando nessa forma de arte extremamente colaborativa para capturá-las todas em um só lugar."

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IMPROLISTAS A MAGIA DO VAP por Chris Mead (hello@chrismead.co) Bem prático este mês. Então... sou um improvisador de personagens bem ruim. Eu simplesmente não tenho esse conjunto de habilidades. Muitas das pessoas que são minhas colegas são imitadoras incríveis. Elas têm um ouvido para sotaques. Elas têm a capacidade de manter uma personalidade radicalmente diferente de si mesmas. Não sou assim. Costumo interpretar bem perto de mim mesmo. Por um tempo, fiquei pensando se isso me impediria de ser um artista particularmente bem-sucedido. Nós invejamos as coisas que não conseguimos fazer naturalmente (e o inverso também é verdadeiro, desconsideramos qualquer habilidade que seja fácil para nós - mas isso é outro artigo). O que acabei descobrindo é que basta fazer mudanças sutis para parecer bem diferente no palco. E não se trata de sotaques. Os sotaques são específicos, são realmente musicais - tudo se resume a tom, ritmo, entonação - trabalhando em unidade. Ou você tem esse talento ou não tem. Não se trata apenas de voz, esse é apenas um dos aspectos que podemos mudar. A fenomenal Jill Bernard tem um ótimo detalhamento para o trabalho com personagens - VAP: Voz Atitude Postura Voz é o que sai de sua boca - e há coisas que você pode mudar com bastante facilidade, mesmo que seja um idiota vocal como eu. Você pode aumentar ou diminuir o tom de sua voz. Você pode falar mais rápido ou mais devagar. Você pode mudar seu vocabulário. Há também uma textura em sua voz - por exemplo, suave ou grave - que é muito fácil de alterar. A atitude é seu estado emocional. Todo mundo tem uma configuração padrão. Algumas pessoas são naturalmente calorosas, curiosas, atenciosas, agressivas ou o que quer que seja. Na verdade, é relativamente fácil recarregar-se como uma bateria com uma perspectiva de atitude diferente. Faz toda a diferença do mundo se seu padrão for feliz e sorridente e, de repente, ficar em tensão carrancuda. A postura é a maneira como você se mantém. É como você coloca os pés ao caminhar. Se faz contato visual com as pessoas quando elas passam. Se você tentar curvar a coluna de uma maneira diferente, se segurar a xícara de café de forma estranha ou mastigar o lábio enquanto pensa, você se sentirá uma pessoa diferente. E o mais legal sobre essas três alavancas teatrais é que, se você puxar uma, as outras duas se reorientam livremente. Em simpatia às demais. Experimente agora, gire os ombros para a frente e aperte os braços nas laterais do corpo. Agora tente falar - a voz sai diferente, pois o ar é forçado de forma não natural por suas cordas vocais contraídas. Agora pense: como estou me sentindo? Aposto que essa personagem em que você está se transformando está em um espaço emocional diferente do que você estava há 10 segundos. Mude uma coisa e se beneficie das variações na tríade VAP.